El convento de Santo Domingo de Inca se halla reconocido como Bien de Interés Cultural (BIC). A pesar de las transformaciones contemporáneas que ha sufrido y el uso cultural que hoy mantiene, la imagen que proyecta sigue reflejando su origen como fundación dominica (1604-1835).

Hasta ahora, la configuración inicial y la evolución del conjunto conventual se conocían muy poco. El presente estudio documenta las primeras construcciones erigidas a inicios del siglo XVII y reconstruye su desarrollo con datos inéditos procedentes del original archivo dominico, en gran parte extraviado. Aporta una descripción del extenso ceremonial desarrollado con motivo de la colocación de la piedra fundacional del templo actual, que incluyó elementos folclóricos que no se conocían en la localidad de Inca. Todo ello refleja la expansión de las órdenes religiosas durante la Edad Moderna y el contexto del Barroco propio de la Contrarreforma. Además, se explica la evolución del convento en el siglo XVIII, su transformación tras la desamortización, la rehabilitación que lo convirtió en el centro cultural que es actualmente, y se realiza una interpretación estilística de sus elementos fundamentales.

La Historia del Arte ha vivido en los últimos cincuenta años una profunda renovación que ha supuesto la ampliación tanto de las tipologías objeto de estudio como de los modos de afrontar su análisis científico, a partir sobre todo del protagonismo dado a la imagen y a la cultura visual.
En este artículo se examina un tipo de objeto que tradicionalmente ha sido poco estudiado desde la perspectiva de la historia del arte, pero que tiene mucho que aportar a nuestro conocimiento actual de la construcción y reproducción de la imagen figurada en el Medievo: el sello de cera. En este caso, se trata de dos improntas pertenecientes a Gonzalo Pérez de Aguilar (ca. 1300-1353), obispo de Cuenca y Sigüenza y arzobispo de Santiago de Compostela y Toledo, que conjugan la tradicional representación de autoridad ligada al sello como instrumento de validación documental, con novedades producidas durante el proceso de configuración de la identidad individual, y su representación, en la Baja Edad Media.

Con motivo de la efeméride del 30 aniversario del Centro Galego de Arte Contemporánea, este ha acogido Implosión: arte conceptual na colección CGAC (1965-1975), un proyecto comisariado por Pedro de Llano Neira dividido en dos vertientes: una primera formalizada a través de una muestra expositiva, y una segunda organizada en torno a una programación didáctica conformada por visitas comentadas a la exposición por el comisario y un ciclo de mesas redondas orientadas a la reflexión sobre las colecciones confeccionadas desde los museos de arte contemporánea en general y, en particular, sobre la Colección CGAC. Todos ellos, ejercicios destinados a exhortar el inicio de un nuevo ciclo en la institución, marcado por la regeneración de sus líneas de actuación.

Este artículo aborda la situación de la historia del arte en su dimensión social precisamente ahora, cuando esta disciplina se ha convertido en uno de los temas más recurrentes de la comunicación audiovisual digital. Ante la hiperabundancia de productos audiovisuales que abordan la historia del arte, el artículo se plantea cómo este medio implica una serie de transformaciones en los modos tradicionales de socialización de la historia del arte como disciplina a medio caballo entre el museo y la universidad. Al hacerlo, las crisis que se han abalanzado sobre nuestra disciplina serán planteadas atendiendo a casos que se salen de nuestra geografía.

Con tal objetivo, el artículo aborda dos series documentales esenciales al respecto como son Civilisation, de Kenneth Clark (1969), y Ways of Seeing, de John Berger (1972), contraponiendo los modelos, sus consecuencias y las posibilidades que permitía el nuevo medio televisivo. Ello nos conducirá a aplicar estas ideas al contexto español, donde la serie Mirar un cuadro (1983-1988) será el foco de la atención final. Cómo se puede desarrollar una historia del arte arriesgada e innovadora en la economía audiovisual conformará la pregunta que concluya el estudio.

Busco comprender la habilidad de mirar, la base sólida de la historia del arte, pero específicamente el “cómo hacerlo” que damos por sentado con demasiada facilidad. Que el mirar lleva a ver no es algo obvio. En este artículo desarrollo una metáfora teórica que es social, ética y visual, y que puede ayudar a la historia del arte en su misión. La metáfora surgió de casualidad: una vez, en la calle, oí a un hombre de origen extranjero murmurar para sí: “ni siquiera me miran”. Fue entonces cuando apareció la semilla del cortometraje contenido en este artículo y surgió la metáfora teórica de la visibilización. La consecuencia de este “no mirar” y de la ausencia de compromiso con él a través del habla, es que él no pertenece, no es parte del grupo dentro del cual existe físicamente: la multitud.